表演艺术

表演艺术
主要分類

音乐 · 舞蹈 · 戲劇 (戏曲 · 话剧 · 歌剧 · 音乐剧 · 芭蕾舞剧）

其他項目

曲艺  · 杂技 · 魔術 · 傀儡戲 · 默劇 · 公共演說

类型

戲劇 · 悲劇 · 喜劇 · 悲喜剧 · 骑士文学 · 讽刺 · 史詩 · 抒情诗
此條目介紹的是表演艺术作为一门艺术形式。关于行为艺术，请见「行为艺术」。
俄罗斯马戏表演

表演艺术（英語：performing arts}），简称演艺或表演，是一种以表演者在观众面前进行现场演绎为核心的艺术形式。表演的三大要素为表演者、舞台及观众。它与视觉艺术的本质区别在于：视觉艺术通过创作实物作品来呈现艺术（如绘画、摄影、版画等），造型艺术则涉及三维空间物体（如雕塑和建筑），而表演艺术以表演者的身体和声音作为媒介，在实时中完成艺术表达[1]。表演艺术可以通过戏剧、音乐、舞蹈、歌剧、音乐剧、魔术、杂技、扮装（Cosplay）等多种形式呈现，通常采用两种演绎方式：一是纯肢体动作的无语方式，二是语言与表演同步进行的方式。

表演艺术传统存在于每一个人类社会[2]。音乐和舞蹈可追溯至史前时期[3]，而戏剧形式则先后出现在古希腊、古印度和中国。表演最初服务于宗教仪式和娱乐功能。日本能乐和歌舞伎，以及印度古典舞蹈等传统形式已被联合国教科文组织列为非物质文化遗产。西方表演艺术的历史从古希腊悲剧和喜剧发端，经过中世纪宗教剧、文艺复兴时期歌剧与芭蕾的诞生，直至浪漫主义大歌剧的繁荣。20世纪初的现代主义革命中，伊莎多拉·邓肯、康斯坦丁·斯坦尼斯拉夫斯基和谢尔盖·迪亚吉列夫等人重新定义了舞蹈和戏剧的原则。在叙事性表演中，角色能够通过动作和语言表达情感[4]。录音和录像技术的发展使得表演艺术也可以脱离现场，供私人消费。

类型

戏剧

主条目：戏剧

戏剧是由演员在观众面前演绎故事的艺术形式，综合运用语言、手势、音乐、舞蹈和舞台效果[5][6]。戏剧与古代世界各地的仪式密切相关[7]。

最常见的戏剧形式是剧本话剧，演员在观众面前实时演绎一个叙事故事[8]。戏剧还发展出融合歌舞的音乐剧和所有对白均以音乐表现的歌剧[9][10]。在即兴剧场中，演员不遵循固定剧本而是现场即兴创作[11]，这一形式延续至今的电视喜剧和即兴喜剧之中[12]。表演者与观众的关系也因剧场空间而异，从正式的镜框式舞台到更为亲密的演出形式[13]。

舞蹈

主条目：舞蹈

在表演艺术的语境中，舞蹈指人类有节奏的身体运动，通常配合音乐，作为观众娱乐的形式。舞蹈的定义因文化而异，涵盖从功能性民间舞到高度技术化的芭蕾[14]。编舞是设计舞蹈动作的艺术[15]，编舞者通过动作编排赋予舞蹈以意义[16]。

舞蹈兼具社会性和艺术性功能[17]，存在于仪式、庆典、习俗和节庆之中[18]。在许多黑人和原住民文化中，舞蹈与音乐和社群仪式密不可分[19]。现代舞是20世纪初对芭蕾程式化限制的回应[20]，强调更自由的身体运动和个性化表达[21]。随后出现的嘻哈舞蹈、当代舞和后现代舞不断拓展舞蹈的定义和参与者[22]。

音乐

主条目：音乐

音乐是组合音色、音高、节奏和力度来创造声音的艺术形式[23]。它可以借助各种乐器和风格来演绎，分为民间音乐、爵士乐、嘻哈、流行和摇滚等流派。作为一种艺术形式，音乐既可在现场演出也可通过录制传播，既可以是写好的排练作品，也可以是即兴演奏。

爵士乐将书面编曲与即兴结合，而西方古典音乐强调对乐谱的忠实诠释[24]。

电影

主条目：电影

自托马斯·爱迪生的活动电影放映机在1890年代诞生以来，电影艺术发展为拥有好莱坞制片厂体系的大众传媒[25]。电影表演与舞台表演存在本质区别——演员面向镜头而非现场观众[26]，表演的最终呈现需经过剪辑的加工和组装[27]。镜头前的表演通常要求更加细腻含蓄，而非舞台所需的放大式投射[28]。电影已成为涵盖影院和电视的广义概念，世界各地形成了不同的电影文化，并通过流媒体服务广泛传播[29]。

歌剧

主条目：歌剧

歌剧是一种以歌唱为主、配以管弦乐伴奏的戏剧形式[30]，将音乐、戏剧和舞台效果融为单一艺术整体[31]。歌剧起源于16世纪末的意大利，随后传遍欧洲和世界[32]，先后成为贵族和资产阶级的高雅娱乐[33]。

歌剧的形式从体量较小的喜歌剧到场面宏大的大歌剧不等[34]。莫扎特、威尔第、瓦格纳和普契尼的歌剧作品至今仍是最常上演的剧目[35]。

其他形式

更广泛的表演艺术还包括马戏（小丑、杂技、空中技巧、道具操控）[36]、魔术、默剧、朗诵、傀儡戏、行为艺术、即兴喜剧、单口喜剧和脱口秀等[37]。当代马戏是一种融合了叙事元素的跨学科表演形式，太阳马戏团是其广泛知名的代表[38]。

历史

古希腊悲剧作家索福克勒斯

古代与古典时期

早在公元前19世纪，埃及的大型宗教仪式中就已经出现了类似戏剧的元素[39]。已知最早的剧本是公元前20世纪的《拉美西斯戏剧纸莎草》[40]。

古希腊的埃斯库罗斯、索福克勒斯和欧里庇得斯在公元前5世纪发展了悲剧[41]，阿里斯托芬、克拉提努斯和米南德则发展了喜剧[42]。希腊戏剧在露天剧场中演出[43]，演员佩戴面具演绎角色[44]，其影响遍及整个地中海地区[45]。

印度拥有悠久的表演艺术传统。梵文戏剧学著作《舞论》（Nāṭya Śāstra）相传为婆罗多所作，成书约在公元前200年至公元200年之间，系统阐述了印度戏剧的理论与实践[46][47]。跋娑、迦梨陀娑和薄婆菩提等剧作家创作了丰富的梵文戏剧文学遗产[48]。史诗《罗摩衍那》和《摩诃婆罗多》在印度及东南亚地区广泛流传[49]。

中国的戏剧传统可追溯至商朝（约公元前1600–前1046年）的音乐和表演活动[50]。皮影戏在汉朝（公元前202–公元220年）时期出现[51]。唐朝（618–907年）的唐玄宗设立梨园以训练乐师和表演者[52]。元朝（1271–1368年）的杂剧达到了中国戏剧的高峰，被视为京剧的前身[53]。

中世纪

描绘15世纪受难剧的版画

中世纪的欧洲，戏剧与基督教会紧密相连，神秘剧改编圣经故事并将其纳入布道[54]。世俗娱乐则包括游吟诗人等流动艺人，他们兼演唱、讲笑话、小丑滑稽、杂耍、翻筋斗和魔术于一身[55]。

在西非，格里奥（口头传承艺人）以音乐和故事讲述口述历史，背诵氏族谱系，并担任政治顾问[56]。在伊斯兰世界，塔齐耶是一种使用影偶表现宗教史诗的戏剧形式，什叶派的塔齐耶聚焦于侯赛因·伊本·阿里的殉难[57]，这一活态传统一直持续至20世纪30年代[58]。

文艺复兴

主条目：文艺复兴

始于15世纪意大利并席卷整个欧洲的文艺复兴带来了古典形式的复兴和戏剧创新。多梅尼科·达皮亚琴察首次使用术语"ballo"来描述编排好的宫廷舞蹈[59]，该词后来演变为"芭蕾"[60]。一般认为第一部真正的芭蕾是巴尔塔萨·德·博若耶的《王后喜剧芭蕾》（1581年）[61]。

16世纪中叶，即兴喜剧在欧洲广为流行[62]，这种由职业演员表演的即兴形式使用固定的定型角色，包括仆人、老年人和恋人[63]。英国也出现了专业戏剧行业[64]，为威廉·莎士比亚在16世纪末的创作提供了制度化背景。

1597年，第一部歌剧《达芙妮》上演[65]。整个17世纪，歌剧迅速成为欧洲贵族的首选娱乐[66]。17世纪意大利的镜框式舞台和幕布确立了延续至今的传统剧场形式[67]。在英格兰，清教徒于1642年禁止戏剧演出直至1660年，此后女性开始出现在舞台上[68]。法国在17世纪末引入了正规舞蹈教学[69]。

18至19世纪

喜歌剧的出现将歌剧带给了更广泛的公众[70]。莫扎特的《费加罗的婚礼》和《唐·乔瓦尼》是18世纪的里程碑之作[71]。

19世纪初的浪漫主义运动强调个人自我表达、情感直率和民族主义激情[72]。在歌剧领域，这催生了贾科莫·梅耶贝尔的宏大大歌剧[73]以及朱塞佩·威尔第的音乐戏剧[74]。理查德·瓦格纳的"整体艺术"（Gesamtkunstwerk）试图将舞蹈、音乐和诗歌统一为单一表达[75]。在芭蕾领域，重要剧目包括《吉赛尔》（1841年）和《天鹅湖》（1877年）[76]。19世纪还见证了通俗表演艺术的扩张，都市化和商业娱乐的兴起推动了杂耍表演、歌舞杂耍和滑稽戏的发展[77][78]。煤气灯和随后的电灯照明改变了剧场的视觉呈现[79]。

现代

瓦斯拉夫·尼金斯基在《牧神的午后》中饰演牧神（1912年）

现代舞兴起于19世纪末20世纪初，是对传统芭蕾程式化限制的回应。先驱伊莎多拉·邓肯和洛伊·富勒专注于自然的、富有表现力的身体运动[80]。谢尔盖·迪亚吉列夫的俄罗斯芭蕾舞团（1909–1929年）彻底革新了芭蕾[81]，其合作模式集结了编舞家、舞者、作曲家、作家、视觉艺术家和服装设计师[82]。1930年代起，欧洲各国相继建立了具有鲜明民族特色的新芭蕾舞团[83]。

康斯坦丁·斯坦尼斯拉夫斯基的体系在20世纪初革命性地改变了表演艺术，引入了心理现实主义[84]。方法演技的训练方法被许多表演学校所采用[85]。

电影在1890年代被发明[86]，一战之后发展为全球大众市场[87]。好莱坞制片厂体系塑造了电影演员的专业形象[88]。随后广播和电视的发展进一步丰富了表演的多样性[89]。

战后与当代

二战后，歌剧和芭蕾在国家资助下得到了重建和发展[90]。后现代主义在表演艺术领域的兴起主要在1970至1980年代[91]，挑战了不同艺术形式之间的界限[92]。在当代表演艺术中，数字技术正在与现场演出深度融合[93]。表演艺术中还有一种称为行为艺术的项目，强调行为艺术家与观众之间的交流。

教育

表演艺术的高等教育在全世界范围内广泛开展。许多大学设有戏剧、音乐和舞蹈学院，提供从本科到博士层次的学位课程。专业音乐学院和舞蹈学院（如茱莉亚学院、中央戏剧学院、北京舞蹈学院等）承担着职业演员、舞者和音乐家的培养任务。表演艺术教育通常涵盖技术训练（声乐、形体、乐器演奏）、理论学习（戏剧史、音乐理论）以及舞台实践（排练、演出制作）三大板块[94]。

参见

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